A Música Morreu? Ou Não Se Faz Mais Música Boa Como Antigamente?!

Elvis Presley logo após a fama volta a sua cidade natal com um público eufórico

Sempre fico a pensar no quanto o mundo mudou, como hoje temos possibilidades infinitas de acesso a informação e divulgação, como nunca visto antes, diferentemente dos tempos de Bill Haley, Elvis Presley, The Beatles, Rolling Stones, Micheal Jackson, B.B. King, Nat King Cole, Carmem Miranda, ou seja quem for ou qual estilo.
Ao mesmo tempo em que temos miscelânea de recursos multi-media, tenho a sensação que nós (artistas), nos tornamos “uma agulha num palheiro”, em meio a tantas opções e tanta informação bombardeando largamente as diversas mentes no mundo inteiro, então fica a pergunta, “como destacar-se em meio a tantos milhares?”.

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Streaming: Novos meios de distribuição e ouvir música mesmo com “a volta do disco de vinil”.

Já Não Se Faz Mais Música Boa Como Antigamente?!
Sim, tem muita música boa esperando ser encontrada, ouvida e valorizada, as vezes mal distribuída e mal divulgada, é verdade, mas também muitas vezes ignorada por não ter o “status” de estar vinculada ou glamour de uma grande mídia televisiva ou mesmo “bombando”na internet.
O que mudou? Certos estilos, ou mesmo trabalhos mais autênticos não estão mais em voga nas grandes mídias e modismos, mesmo com tanto acesso a álbuns e música pela internet, falta iniciativa das pessoas pesquisarem, continuam esperando trabalhos autênticos e de qualidade serem expostos nos grandes canais de TV, como antigamente (mesmo que sempre houveram os descartáveis promovidos pelo ‘jabá’).

Discos de Ouro: Um símbolo de um tempo que não existem mais.

Cabe a nós artistas independentes (em geral “originais”) e público nos adaptarmos as mudanças e formas de conviver com novas formas de acessar música, começar a procurar, pesquisar, garimpar, já que hoje é tão fácil informação. Portanto não fique esperando certos artistas de determinado estilo aparecer naquele programa de domingo para poder valoriza-lo e nós artistas não fiquemos mais com certas ilusões.

Bom garimpo a todos!
Joanatan Richard

Abaixo fiz uma tradução livre do artigo “A desvalorização da música: é pior do que você pensa”, de Craig Havighurst – Jornalista, radialista e palestrante em Nashville. Produtor de notícias de música da WMOT / Roots Radio. Anfitrião da String. Co-anfitrião de “Music City Roots”. Publicado originalmente no (https://medium.com/cuepoint/the-devaluation-of-music-it-s-worse-than-you-think-f4cf5f26a888)

A desvalorização da música: é pior do que você pensa

Artistas famintos foram afetados por mais do que apenas pirataria e royalties de transmissão

Em muitos lamentos (justificados) sobre a trajetória de sua profissão na era digital, compositores e músicos regularmente afirmam que a música foi “desvalorizada”. Ao longo dos anos, eles apontaram para dois culpados destacados. Primeiro, foi a pirataria de músicas e a futilidade de “competir com o mundo livre”. Mais recentemente, o foco tem sido nos pagamentos aparentemente minúsculos que as músicas geram quando são transmitidos em serviços como o Spotify ou o Apple Music.
Essas são questões sérias e muitos concordam que a indústria e os legisladores têm muito trabalho a fazer. Mas pelo menos há diálogo e progresso sendo feitos em direção a novos modelos de direitos e royalties na nova economia da música.
Menos óbvias são várias outras forças e tendências que desvalorizaram a música de uma maneira mais perniciosa do que os problemas de hiper-abastecimento e manobras interindustriais. E pela música eu não quero dizer os formatos de músicas populares que se vê nos shows de prêmios e nas rádios comerciais. Quero dizer música a forma de arte sonora – composição imaginativa e conceitual e improvisação enraizada em idéias harmônicas e rítmicas. Em outras palavras, a música tal como foi definida e considerada há quatro ou cinco décadas atrás, quando a música de arte (incompleta mas geralmente chamada de “clássica” e “jazz”) tinha um lugar na mesa.
Quando ouço compositores de sucessos de rádio censurarem seus minúsculos cheques do Spotify, penso nos prodígios de jazz de hoje que não terão uma chance nem de uma fração do sucesso popular da velha guarda. Eles nem imaginam trabalhar em um ambiente musical que possa levá-los ao status de nome familiar da variedade Miles Davis ou John Coltrane. Eles estão lutando contra forças no próprio nexo do comércio, cultura e educação que conspiraram para tornar a música menos significativa para o público em geral. Aqui estão alguns dos problemas mais problemáticos que os músicos enfrentam no cenário atual do setor.
1. A morte do contexto
Ecossistemas de música digital, começando com o iTunes da Apple, reduziram as gravações para uma imagem de capa do tamanho de um selo e três pontos de dados: Artista, Título da Música, Álbum. Como os comentaristas de música clássica argumentam há muito tempo, esses sistemas fazem um trabalho ruim com compositores, maestros, solistas e conjuntos. Além disso, como argumentei em um ensaio anterior, eles são desprovidos de contexto. Embora existam biografias de artistas e compositores na maioria dos serviços, os álbuns históricos são vendidos e transmitidos sem os créditos ou encarte da era LP e CD. O círculo eleitoral de super fãs que lêem e assimilam essas coisas é pequeno demais para merecer atenção dos serviços ou rótulos digitais, mas o que se perde é a classe de conhecedores que infundem a cultura com entusiasmo informado. Nosso ambiente de informação digital pobre não está conseguindo inspirar esse tipo de fãs, e isso é profundamente prejudicial para a nossa ideia compartilhada sobre o valor da música.
2. Rádio Comercial
É um alvo fácil, mas não se pode exagerar o quanto a rádio mudou profundamente entre a explosão da música popular em meados do século XX e o modelo corporativo dos últimos 30 anos. Um ethos de musicalidade e descoberta foi substituído por atacado por uma manipulação cínica da demografia e pelo mais comum denominador comum. As listas de reprodução são muito mais curtas, com um punhado de singles repetidos incessantemente até que os grupos focais digam que desistem. Os DJs não escolhem mais músicas com base em seus conhecimentos e não tecem mais uma narrativa em torno dos registros. Tal como acontece com as notas de encadernação, isso contribui para uma audição mais passiva e reduz a dieta musical da maioria dos americanos a um punhado de sucessos altamente produzidos em escala industrial.
3. Mídia
Nos anos 60, quando eu nasci, publicações impressas dominantes levaram as artes a sério, cobrindo e promovendo talentos contemporâneos excepcionais em todos os estilos de música. Assim, Thelonious Monk apareceu na capa da revista TIME, por exemplo. Quando comecei a cobrir a música de um jornal em cadeia por volta de 2000, as histórias eram priorizadas pelo reconhecimento prévio do nome do assunto. Histórias de arte / descoberta estavam subordinadas a notícias de celebridades em nível sistêmico. As métricas da indústria (posição do gráfico e vendas de ingressos para shows) tornaram-se um marco nas “notícias” musicais. Na era dos cliques medidos, o agrupamento de foco sempre institucionalizou a câmara de eco da música pop, estupidificando e desencorajando um engajamento significativo com a música.

4. Conflação
Uma peculiaridade pouco notada, mas corrosiva, da era digital é a maneira como nossas interfaces combinam música com todas as outras opções de mídia e entretenimento. O iTunes começou usando software ostensivamente para coletar e reproduzir música e transformá-la em uma plataforma para TV, filmes, podcasts, jogos, aplicativos e assim por diante. Este é um símbolo e uma causa do significado cada vez menor e da importância da música no massacre multimídia que é a nossa cultura. As exibições brilhantes que distraem as pessoas da música “justa” já são onipresentes. Então, por que impor-los em um player de música? Acredito que uma das razões pelas quais o vinil e os fonógrafos são quentes de novo é que as pessoas com orientação musical anseiam por algo como um “santuário” para sua música – um dispositivo que é apenas para música.
5. Anti-intelectualismo
A música tem sido promovida e explicada durante décadas quase exclusivamente como um talismã da emoção. A questão esmagadora é como isso faz você se sentir. Considerando que a música de arte do Ocidente transcendeu por causa de sua deslumbrante dança de emoção e intelecto. A música artística relaciona-se com matemática, arquitetura, simbolismo e filosofia. E como esses tópicos foram menosprezados na imprensa geral ou na TV a cabo, nossa capacidade coletiva de se relacionar com a música através de uma lente de humanidades atrofiou. Aqueles de nós que tivemos música explicada e demonstrada como um jogo para o cérebro, assim como para o coração, tem muita sorte. Por que tantos estão satisfeitos em se envolver com música apenas no nível dos sentimentos, é um mistério vasto e empobrecedor.
6. Filmes e Jogos
Nós, como cultura, ouvimos bastante música instrumental “clássica” ou composta, mas ela migrou da sala de concertos para o vídeo game e para a trilha sonora do filme. Por um lado, isso dá aos jovens compositores opções para ganhar a vida, e algumas músicas muito boas estão sendo imaginadas para essas paisagens imaginárias. Mas há um efeito pernicioso da trilha sonora de mídia onipresente, em que galáxias inteiras de ideias musicais e motivos e humores foram essencialmente ocupados e se tornaram clichê. Como um jovem mergulhado no barulho do falso Shostakovich de uma trilha sonora de um jogo de guerra ouve o verdadeiro Shostakovich e acha que é grande coisa? Isso raramente é observado, mas acredito que milhares de impressões cumulativas de música de fundo atribuídas a “romance” e “luto” e “heroísmo” criaram camadas de tecido cicatricial em nossa capacidade de sentir algo quando a música sinfônica tonal é feita ou escrito no século XXI.
7. Música nas Escolas
Tudo começa – ou termina – aqui. Como qualquer outra língua, as regras, termos e estrutura são mais facilmente absorvidos pelos jovens. E como a música foi cortada em mais da metade das escolas de ensino médio nos Estados Unidos (N.T. no Brasil sequer tem) em uma tendência longa e desgastante, o empecilho tem se baseado cada vez mais em evidências sobre os efeitos em geral da educação musical no desempenho acadêmico geral – o argumento “música torna as crianças mais inteligentes”. Isso é verdade e vital, mas tendemos a perder de vista o caso do valor da música em nossa cultura – que a educação musical torna as crianças mais musicais. Aqueles que internalizam as regras e os rituais da música no início da vida estarão mais propensos a assistir a concertos sérios e a dar ouvidos mais atentos às suas escolhas de música pop quando adultos.
Aqueles que se preocupam com o futuro da indústria fonográfica deveriam gastar menos tempo reclamando sobre interrupções digitais e gastando mais energia levantando a consciência do público sobre música séria, porque nós realmente desvalorizamos a música quando reduzimos nossa forma de arte mais impactante a um artefato de música. Celebridade e uma escolha de estilo de vida. A música instrumental complexa tornou-se marginalizada dentro de uma polegada de sua própria existência, e isso tem muito a ver com o povo da indústria definindo “valor” apenas da maneira que afeta o dinheiro da caixa de correio.

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